ファッション写真 – ファッション&オートクチュール

2000年代に入ってからは、『Vogue』、『Vanity Fair』、『Harper’s Bazaar』の3強が単独でこの分野を支配することはなくなりました。今日のファッションフォトグラファーは、独立した雑誌で仕事をすることが多くなり、写真の芸術的水準を高めています。アート写真とファッション写真の境界が曖昧になってきており、以前はどちらかというと画一的だった商業的な方向性が柔らかくなってきています。ファッションフォトグラファーのオリバー・ルドルフ氏は、昔と今のファッション写真についてこう語っています。自分で写真を撮れるようになりたいですか?このページでは、おすすめの書籍「写真の撮り方を学ぶ」を紹介しています。

ファッション写真の現在 – トレンド、時代精神、ハイファッション

だからこそ、ファッションフォトグラファーという仕事は、特に柔軟性と適応性が求められるし、新しいものへの寛容さや流行への敏感さも必要とされるのです。ファッションフォトグラファーという職業を、単に服を撮影することと同一視している人は、明らかに社会的に広まっている決まり文句の対象となっています。今日も、社会の夢、時代の流れ、個人の願望などを、ファッションフォトグラファーとして意識的に演出することが重要です。

ファッション写真、特にオートクチュールの場合は、視覚的に魅力的で美的感覚を刺激するだけでなく、見る人の参加や模倣を誘うものでなければならず、せいぜいその時代の一歩先を行くものでなければなりません。ファッションの表現は、ここではアイデアの表現と融合しています。ミュンヘンからハンブルグまで、ファッション広告代理店、アートディレクター、マーケティングエージェントが緊密に連携しています。最終的には、ドレスではなく、ファッショナブルに着飾ったパーソナリティを演出することになります。

あの頃のファッション写真-憧れの人たちとファッション誌

ファッション写真家として最初に認められたアドルフ・ブラウンは、1856年に最初の「ファッション・マガジン」を発行しました。この本には、288枚の写真が掲載されており、その中には、ファッションモデルとして初めてドレスを発表したヴィルジニアル・オルドワニ伯爵夫人の写真も含まれていました。写真はまだ大衆向けではなく、複製もまだ始まったばかりだったので、1892年に『La Mode Pratique』に最初のファッション・スプレッドが掲載されるまでは、その後の数年間はあまり大きな変化はなかった。

20世紀初頭の「ハーパース・バザー」、「ヴォーグ」、「ヴァニティ・フェア」で、それまでスケッチ画に頼っていたファッション写真が一歩前進した。今、誰が流行っているのかは、こちらの「ファッション誌」で知ることができます。ファッション誌が次々と出版されると同時に、ヨーロッパの大都市にはファッション写真を撮影するための最初のフォトスタジオが誕生しました。このような状況のおかげで、1930年代にはファッション写真が芸術の域に達していたのです。

それまでは、ベルリン、パリ、ハンブルグなどのヨーロッパの中心地にすべてが集中していましたが、第二次世界大戦中、ほとんどのファッションフォトグラファーはクリエイティブセンターをアメリカに移し、最もファッショナブルなセンターを設立しました。New York.

変化、トレンド、時代の流れが写真に影響を与える

次の変化は、写真家とモデルの世代交代によるもので、60年代にファッション写真が若くてダイナミックな芸術分野になるのはそのためです。その10年後にはフェティシズムやポルノが登場しますが、80年代には再び急激に減少し、写真は美的世界で行われるようになり、古典的な白黒写真が多くなります。

共産主義の崩壊以降、ファッション写真家の表現もよりリアルになってきました。その過程で、「ヒロイン・ルック」は独自のサブカルチャーに発展し、デビッド・ラシャペルのようなファッション写真家が、今日のようなグラマラスなスタイルを広めました。そして、90年代の終わりには、この分野はより寛容な方向への一歩を踏み出し、最終的にファッション写真は現在のようになりました。

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